La mano guidoniana o aretina

Este dibujo se empleaba para tener una representación de la altura de los sonidos, a modo de sistema mnemotécnico. Cada parte de la mano y altura de los dedos era un sonido de la escala musical.

Se cantaba la escala señalando la parte de la mano que correspondía a cada sonido. Luego se podían hacer saltos, para los intervalos.

Sociología de la música

• Introducción:

Con el paso del tiempo, y la evolución de las formas, la música se fue volviendo compleja y terminó convirtiéndose en patrimonio de una minoría selecta, social y culturalmente. Los grandes músicos comenzaron a salir del anonimato. El pueblo comenzó a apartarse de la música culta o académica que no oía más que en las iglesias y muy eventualmente, en las antecámaras y jardines palaciegos, y empezó a cultivar otro tipo de música transmitida oralmente y adaptada a sus capacidades y necesidades sociales. Se abrió entonces una brecha entre la música culta y la música popular, que jamás volvería a llenarse.

Durante los siglos XVIII y XIX, la música dejó de ser patrimonio exclusivo de monasterios y cortes.
Ya en el siglo XX, la comercialización de la música estimuló la formación de clases diferenciadas de oyentes, y los públicos se volvieron cada vez menos cultivados. Comenzó a componerse música de diferentes estilos según el público al que estuviera destinada y según la demanda existente. Dado que es más rentable producir música fácil que pagar a músicos profesionales, ya sea para componer o para interpretar música de calidad, la industria musical favoreció la aparición de un producto menos elaborado. Ahora, más que nunca, existe una clara división entre la música como expresión artística, y la “música” que es fabricada únicamente para ser un producto comercial.

• Música y consumo:

La música comercial de consumo masivo es uno de los instrumentos de persuasión oculta más eficiente. Es monótona y con un bajo rítmico acompañado de escasos acordes que se repiten constantemente de principio a fin. Sus ritmos perpetuos producen frecuentemente una excitación corporal. El resultado es un asalto deliberado y directo hacia la integridad de las personas.

Es relevante, no obstante, la necesidad del conocimiento de las diferentes corrientes musicales, ya que, en todas y cada una de ellas, existe música de calidad. Se debe desarrollar un criterio artístico y estético que permita a la población elegir entre la música que tiene un valor real y artístico, en diferenciación con aquella de baja calidad, que ha sido creada bajo criterios económicos y comerciales.

La adolescencia es muy vulnerable a la influencia social y al bombardeo de los medios, convirtiéndose en víctimas de intereses comerciales, y adquiriendo lo que otros los induzcan a comprar, en lugar de sólo aquello que responda a sus propios gustos.


Texto: Cuerpo de Maestros. Educacion musical. Temario para la preparacion de oposiciones. 2006. Editorial MAD.

La misteriosa muerte de Tchaikovsky

Su última sinfonía, la Patética, fue estrenada en San Petersburgo el 28 de Octubre de 1893, sólo nueve días antes de la muerte del compositor.


Las causas de ésta no están del todo claras: la versión oficial es que Tchaikovsky bebió un vaso de agua infectada de cólera; sin embargo más tarde se han desvelado motivos más oscuros. Tchaikovsky habría sido convocado a una reunión de sus antiguos compañeros de la Escuela de Jurisprudencia; al parecer Tchaikovsky mantenía relaciones con el sobrino de uno de ellos, y en aquella reunión un tribunal de honor dictó que debía suicidarse si no quería que la cuestión se supiera. Según esta versión, el suicidio se llevó a cabo con arsénico (otros dicen que bebió el agua infectada a propósito o la versión menos morbosa es que simplemente bebió de un vaso de agua contaminada).



Gracias a Brise por la información cedida: http://tchaikovsky.50webs.com

Paradojas matemáticas

Echad un vistazo a estos dibujos sobre paradojas matemáticas realizados por Marta Macho Stadler.
Muy impresionantes los de las figuras reversibles (hacia la mitad del archivo más o menos)

Paradojas matemáticas

Curiosidades sobre Beethoven

A todos los que conocéis la pieza Para Elisa de Beethoven, resulta que no, que no era para Elisa, era para Teresa:



'Para Elisa' es en realidad 'Para 'Teresa': La famosísima bagatela para piano de Beethoven que todo el mundo conoce como "Para Elisa" (compuesta el 27 de Abril de 1810), en realidad es "Para Teresa", ya que es el título que aparece en el manuscrito original de Beethoven. Se cree que un error en los copistas por la mala caligrafía de nuestro compositor provocó esta 'pequeña' confusión.

Arvo Pärt

Arvo Pärt - Spiegel im Spiegel. Pincha para oir los dos mp3, aquí

Compositor estonio nacido en Paide en 1935, identificado a menudo con la escuela minimalista. Es considerado un pionero de este estilo, junto con sus contemporáneos Henryk Górecki y John Tavener.

Después de otros trabajos compositivos, crea por 1971 una nueva técnica que él llama "tintinnabuli" (similar al sonido de las campanas). Se caracteriza por sus armonías simples, a menudo unas únicas notas sin adorno o tríada que forman la base de la armonía occidental. Son reminiscencias del sonido de las campanas, de ahí su nombre. Los trabajos de tintinnabuli son simples rítmicamente y no poseen un "tempo" cambiante. La influencia en ellos de la música antigua es clara.

La modulación de la voz según Aristoxeno

Los acordes que el hombre puede modular de manera natural —en griego symphanie— son seis:

• diatessaron (una cuarta),
  
• diapente (una quinta),
  
• diapasón (una octava),
  
• disdiatessaron (una octava y una cuarta),
  
• disdiapente (una octava y quinta) y
  
• disdiapason (octava doble)
  

Toman el nombre de su número porque, cuando la voz se detie­ne en un sonido fijo, modulándose cambia desde este sonido y pasa a un cuarto tono, que se llama diatessaron; si pasa a un quinto tono, se llama diapente; si a un octavo tono, diapasón; diapasón con diatesaron si pasa a una octava y media y disdiapason si es a una decimoquinta. No es posible realizar consonancias entre dos intervalos cuando se entone un canto o se toquen las cuerdas de un instrumento ni tampoco si son tres o seis o siete intervalos, sino que, como hemos dicho, sólo cuando es diatessaron y diapente y progresivamente hasta el disdiapasón, teniendo en cuenta la naturaleza de la voz. Estos acordes se originan a partir de una unión ajustada de sonidos, que en griego se llaman phthangai.


Texto: http://usuarios.lycos.es/basarte/armonia.htm

Carl Sagan y "La mota de polvo"

En 1990, cuando, justo antes de abandonar el Sistema Solar, la sonda Voyager 1 dirigió su cámara hacia el sol, a una distancia de más de 6.000 millones de kilómetros.

Se tomó una fotografía en la que se ve una mota de polvo azul. Esa mota de polvo era la Tierra. Esa imagen inspiró un artículo al astrónomo Carl Sagan (1934 - 1996), que llamó "Reflexiones sobre una mota de polvo":

"Conseguimos tomar esa fotografía (desde el espacio profundo) y, si la observas, verás una mota. Es aquí. Es nuestra casa. Somo nosotros. En esa mota, cualquiera de quien haya oído hablar, cualquier ser humano que haya existido, vivió su vida. El conjunto de nuestras alegrías y sufrimientos, miles de religiones, ideologías y doctrinas económicas, cada cazador, cada recolector, cada héroe y cada cobarde [...] cada rey y cada campesino, cada joven pareja enamorada, cada niño lleno de esperanza, cada madre y cada padre, cada inventor y cada explorador [...] cada santo y cada farsante en la historia de nuestra especie, vivieron en una mota de polvo, suspendida en un rayo de Sol.

La Tierra es una pequeña etapa en un inmenso estadio cósmico. Pensad en los ríos de sangre vertidos por todos aquellos generales y emperadores para que, en su gloria y triunfo, pudieran convertirse en amos de una fracción de una mota de polvo. Pensad en las crueldades sin fin inflingidas por los habitanes de una esquina de la mota, en los apenas distinguibles habitantes de alguna otra esquina. Qué frecuentes sus incomprensiones, su propensión a matarse entre ellos, qué fervientes sus odios. Nuestra imaginaria importacia, la ilusión de que tenemos alguna posición privilegiada en el Universo, son desafiadas por este punto de luz pálida."

MItología Griega. Sirenas, Oceánides, Náyades y Nereidas

Las sirenas griegas tenían el cuerpo de ave y cabeza de mujer. A partir de la Edad Media se representa a las sirenas con cola de pez. Con sus cantos atraían a los incautos marinos, haciendo que sus naves se despedazasen contra las rocas y escollos. Aquel que oía sus voces se olvidaba para siempre de su patria, hogar, mujer e hijos, y se arrojaba al mar en pos de ellas. Ulises se liberó de ellas haciendose atar al mástil de su embarcación y taponar los oídos de sus compañeros con cera.

(Ulises de Herbert James Draper). Bonitas, ¿eh?

Aunque en realidad tendrían este aspecto según la mitología clásica:

Las oceánides serían las que tendrían un aspecto más parecido al de la mujer pez, ya que eran las nifas del océano (o del agua en general, pero normalmente salada, hijas de Poseidón, Océano en otras interpretaciones) y de Tetis.

(Oceánides, Gustave Doré, 1860)

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Las Náyades, eran las ninfas de los cuerpos de agua dulce —fuentes, pozos, manantiales, arroyos y riachuelos—, encarnando la divinidad del curso de agua que habitan. Aunque las náyades estaban asociadas con el agua dulce, las oceánides con el agua salada y las nereidas específicamente con el mar Mediterráneo, había cierto solapamiento debido a que los griegos pensaban en las aguas del mundo como en un sistema único, que se filtraba desde el mar a profundos espacios cavernosos en el seno de la tierra, desde donde subía ya dulce en filtraciones y manantiales.

(Una Náyade o Hilas con una ninfa, por John William Waterhouse, 1893)

Las Nereidas eran las cincuenta hijas de Nereo y de Doris. Se las consideraba las ninfas del mar Mediterráneo (en el Egéo en otras interpretaciones), emergían a la superficie para ayudar a marineros que surcaban los procelosos mares (justo lo contrario de las sirenas), siendo los argonautas los más famosos entre los que socorrieron mientras viajaban en búsqueda del vellocino de oro. Se aparecen a los hombres del mar montadas en delfines y otros animales marinos.
Representaban todo aquello que hubiese de hermoso y amable en el mar. Cantaban con voz melodiosa y bailaban alrededor de su padre. Se las representa coronadas por ramas de coral y portando el tridente de Poseidón, de cuyo séquito formaban parte.

Nereidas de Félix François Georges Ziem.

Mar Mediterráneo

Imagene encontrada en la siguiente página: alicantevivo.blogspot.com




Algunas leyendas relacionadas con este mar aluden a Nereo, de la mitología griega, padre de las Nereidas, las cuales protegían a los barcos, y no cantaban para atraer a los marinos, sino para complacer a su padre. Los antiguos describieron a las Nereidas con el cuerpo cubierto de escamas y formas de pez y como personificación de los colores y los movimientos de los oleajes. A partir de aquí, el mito de la Sirena fue creciendo por todo el mundo como las ondas en la superficie calma del agua. En otros textos, se asocia la presencia de estos seres en el mar Egeo.



Texto: Enciclopedia de los Mitos. Nadia Julien. 2003. Ediciones ROBIN BOOK.

La música en el Renacimiento

La música en el Renacimiento:

Con el término Renacimiento hacemos referencia a la cultura y el arte de los siglos XV e inicios del XVII.

Se lleva a cabo un reencuentro estético con el pensamiento y las formas clásicas correspondientes a las antiguas culturas griega y romana, adormecidas durante la Edad Media. En cambio, no procede aplicarlo a la música, puesto que no se toma como referencia el concepto estético sonoro de la antigüedad clásica, sino que se continúa por el camino abierto por el Ars Nova; es decir, el estilo de la música del Renacimiento se basa en el desarrollo de la técnica del contrapunto imitativo, llevado a cabo por los músicos franco – flamencos en el siglo XV, y que los demás países asimilaron.

• Polifonía vocal religiosa:

Las formas que sobresalen según, a la liturgia a la que pertenecen, son las siguientes:
- En la liturgia católica: motete y misa.
- En la liturgia protestante: coral luterano y anthem.
- Fuera de la liturgia (en Italia): laudi spirituali.
- El coral luterano: canciones populares, divididas en estrofas bien rimadas, en lengua vulgar y con característicos reposos al final de la frase. Alcanza su máximo esplendor con Johann Sebastian Bach.

Anthem: himno o antífona en lengua inglesa, de métrica regular, que posee una estructura musical parecida al motete católico, que se cantaba en los templos anglicanos.

Laudi spirituali: cantos de alabanza a dios, que venían practicándose en Italia desde el siglo XII. En sus inicios eran monódicos.


Texto: Cuerpo de Maestros. Educacion musical. Temario para la preparacion de oposiciones. 2006. Editorial MAD.

La música vocal profana: juglares, trovadores y troveros

Juglares:

La hegemonía que sobre la cultura va a desempeñar la iglesia durante la Edad Media, va a originar un desprecio por la canción popular por parte de la clase culta. Fueron incluso perseguidos por la iglesia, acusados de seres corruptos y propagadores de las tradiciones paganas. No obstante, eran apreciados por el pueblo como portadores del buen humor y de diversión.

La denominación de juglar, en líneas generales, ha servido para referirse a personajes errantes que iban de ciudad en ciudad, de corte en corte, con el oficio de divertir a un público, ya noble, ya plebeyo.

Ministriles:
A finales del siglo XIII, con el desarrollo de las ciudades, los juglares comienzan también a abandonar su vida errante, y establecerse en alguna de las grandes ciudades. Esto originó que por el siglo XIV aparecieran los denominados ministriles, juglares estables al servicio de la ciudad, con mayor consideración social e ingresos económicos asegurados.

Goliardos:
Una casta especial de juglares eran los Goliardos, generalmente eran clérigos secularizados, por lo que su amplia cultura les permitía componer. Sus obras se conservan en códices como los de Ripoll, en España, o en la colección de canciones del Monasterio benedictino, en Alemania, conocida como <> .

Trovadores y troveros:

A finales del siglo XI en el sur de Francia, una serie de factores, fruto del refinamiento de las costumbres, como el espíritu caballeresco y el culto a la mujer, va a originar un nuevo estilo poético – musical conocido como trovadoresco.

Los trovadores eran poetas conpositores de letra y música, y pertenecientes a la nobleza. Éstos no se dedicaban a la música por necesidad como los juglares. El lenguaje utilizado es el provenzal.

Igualmente y a diferencia de medio siglo, se produce en el norte y centro de Francia un movimiento similar. En este caso el lenguaje utilizado es el francés, y en este caso se les denomina troveros. El idioma es la diferencia básica entre trovador y trovero. En Alemania son llamados minnesänger.

Texto: Cuerpo de Maestros. Educacion musical. Temario para la preparacion de oposiciones. 2006. Editorial MAD.

La polifonía. Orígenes y primeras formas:

La música en el primer milenio, en Europa, era principalmente vocal y monódica, y vinculada casi totalmente a la iglesia, puesto que era quien centraba toda la cultura musical de esta época. Las primeras referencias escritas se remontan al siglo IX, en el célebre tratado Música Enchiriadis de autor anónimo (ese que escribió tantas partituras), que hasta el Ars Nova fue el referente principal en la música sacra describe el organum, la forma de polifonía más antigua conocida.

- Organum: La melodía fundamental (del canto gregoriano), llamada vox principalis, iba doblada a la 4ª inferior paralela, recibiendo el nombre de vox organalis. A su vez, ésta es doblada a la 8ª superior, quedando a la distancia de 5ª de la vox principalis. Además el ritmo no se escribía, simplemente seguían el ritmo tradicional del canto gregoriano (adaptado a la manera de recitar los acentos texto).

- Discantus: Se abandona el movimiento paralelo único, y se efectúan el movimiento contrario y el oblicuo, cruzándose ambas voces. Siempre nota con nota (es decir la voz organal tiene exactamente el mismo ritmo que la voz principal). El discanto constituye el origen del contrapunto, que se desarrolla a lo largo de los siglos siguientes, alcanzando su apogeo en el Renacimiento.

- Conductus: Hasta entonces, los compositores siempre debían partir de una melodía existente, del canto llano. A finales del siglo XII, el compositor quiere independizarse de toda melodía existente y hace una composición totalmente original, inventando no sólo las voces organales, sino también la voz principal.



Texto: Cuerpo de Maestros. Educacion musical. Temario para la preparacion de oposiciones. 2006. Editorial MAD.

Las Perseidas

Las Perseidas o "Lágrimas de San Lorenzo" es la lluvia de estrellas fugaces que todos los veranos nos invita a observar el cielo y acercarnos un poquito más a la astronomía.


Durante dos milenios la humanidad ha venido observando en el cielo estival la lluvia de estrellas fugaces llamada Perseidas. Aunque en la actualidad esta lluvia presenta niveles de actividad normales, es decir, unas 100 estrellas fugaces a la hora en las mejores condiciones de visibilidad y cuando ocurre el máximo, sigue siendo la favorita de los amantes, y no tan amantes, a la astronomía debido a lo atractivo que resulta salir al campo a observar el cielo estrellado en los meses de verano.

Las estrellas fugaces o meteoros son pequeñas partículas de polvo, no más grandes que la cabeza de un alfiler, que se desintegran a unos 100 kilómetros de altura. La velocidad estimada que tienen las Perseidas como término medio es de 60 km/h y su brillo es producido por la ionización causada por la liberación de su energía en las capas altas de la atmósfera. Las Perseidas reciben este nombre porque su radiante, punto imaginario donde se cortan las prolongaciones hacia atrás de los trazos meteóricos, se encuentra en la constelación de Perseo.

Para ver el mayor número de estrellas fugaces es necesario dos cosas: encontrar un lugar oscuro lejos del alumbrado público y estar cómodo.

La contaminación lumínica, el peor enemigo para poder apreciar este fenómeno.

La segunda condición se consigue con abrigo y buscando una buena posición, por ejemplo, estar tumbado. Uno de los factores que más afecta a la observación de meteoros es la Luna ya que su brillo evita que observemos los más débiles. Los días que no haya Luna Llena son los mejores.

El máximo de actividad de las Perseidas ocurrió la pasada noche del 11 al 12 de agosto. Sin embargo, esta lluvia continúa activa hasta el día 24. Aunque en principio no hay una dirección privilegiada hacia donde dirigir nuestra observación, siempre se recomienda mirar hacia el Norte o el Este.

Información extraida de la página de "Isaac Newton Group of Telescopes"

Pantano del Chorro, Málaga

Paraje natural pantano del "Conde del Guadalhorce" (Chorro)



"El desfiladero de los gaitanes"


El pantano del "Conde del Guadalhorce" (Chorro) es un magnifico escenario natural, un paraje excepcional donde encontrar un poco de paz y disfrutar de un entorno sin parangón. Quien lo visite puede encontrar un lugar idílico donde pasar unos días de descanso, tomar baños de agua dulce, practicar senderismo y disfrutar de la gastronomía típica malagueña en los restaurantes de la zona.

San Gregorio Magno y el Gregoriano

Al que se le atribuyen erróneamente todas las piezas del canto gregoriano, y esta creencia perduró bastantes siglos. Sin embargo, es cierto que recopiló y contribuyó a la evolución del canto gregoriano, llamado el Antifonario de los cantos gregorianos en su honor

San Gregorio escribió cientos de textos filosóficos, literarios y algunos sobre música.

Hasta la reforma de Carlo Magno en el siglo VIII, no se dio el canto gregoriano como tal. Es por ello que se considera que el canto gregoriano no comienza hasta esa época.

200 años depués de que muriese San Gregorio, se propagó la leyenda de que escribió él solo todo el repertorio gregoriano y además de manera milagrosa. En algunas pinturas en las que se representa a San Gregorio junto a una paloma, que fue la que le "inspiró" todas la antífonas, salmos, himnos, etc.


Sin embargo, ninguna se le pudo atribuir. Otro mito a cerca de San Gregorio es, que fundó la "Schola cantorus", grupo de especialistas sólo en cantar. Sin embargo, aunque más verosímil que el anterior, éste también es falso, ya que la "Schola Cantorum" ya funcionaba antes de que San Gregorio fuese Papa.

Lo que sí hizo fue, ordenar la fundación de escuelas de música que nutrieran de cantantes especializados a las iglesias y estas escuelas se constituyeron sobre todo de huérfanos, a los que se internaban, no sólo para que tuvieran un lugar de acogida, sino para que además, pudieran desenpeñar un oficio en el futuro y ser autosuficientes.

La relación entre la música y San Gregorio es debido a su interés por regular y uniformizar la liturgia.

Estableció en gran parte qué tipo de cantos debían interpretarse en cada una de las ceremonias y en ocasiones incluso qué cantos en concreto tenían que interpretarse en una ceremonia. Sin embargo, este aspecto sólo continuó una tarea comenzada por sus predecesores y continuada con más o menos éxito por sus sucesores. También fue el responsable de la supresión de la liturgia celta por la romana.

San Gregorio pertenecía al rito romano, no tiene nada que ver con el canto gregoriano, salvo que después de muerto le atribuyeron su nombre, pero esto es fortuito.

Ratatouille a lo Cassandre

En el anterior post (Ratatouille, una película deliciosa) referido a la última película de Pixar, expuse un cartel extraido del siguiente sitio: patograph.wordpress.com

No soy muy entendida en diseño gráfico, sin embargo eso no me impide disfrutarlo aunque no sea a un nivel más experto. Los carteles que se crearon para promocionar la película, por lo visto, están basados en los trabajos de A.M. Cassandre: la tipografía grande y alargada, el uso de degradés, la apariencia de pintura, lineas limpias, etc.

Como en estos:

Trabajo de Cassandre:

Y por último, éste, que es como una mezcla entre Cassandre y Lissitzky:

Ratatouille, una película deliciosa

No se debe menospreciar el contenido de una película tan sólo por el hecho de ser de animación dirigida a un público infantil.


A simple vista, ya se ve que el film va a ser agraciado y con toques de humor inteligente. Y no defrauda. Es más, a parte de todo esto, es una película muy entretenida, a ratos tópica (y sorprendentemente no molesta, pues no es nada repetitiva ni pretenciosa) e inevitablemente inolvidable. También a simple vista parece la típica película para niños y nadie más, pero esta afirmación no es más que errónea. En Ratatouille la inteligencia adulta no se hace notar tanto como en "Shreck", pues el espectador ya sabe que está ahí. Sin embargo, es inteligente también en el sentido técnico. Es realmente impresionante la calidad de la animación (sólo hay que observar los movimientos de los personajes o las secuencias de acción (con la cámara en “mano”). Pixar se ha superado una vez más con esta impecable odisea de este ratón (más bien rata) llamado Remy y su relación con el entorno de la cocina (perfectamente realizado).

Los personajes son todos creíbles, entrañables e inteligentes, por eso es más agradable seguir la trama de la película, que además está excelentemente planteada, se trata de una historia bien contada. Sin embargo el mayor logro de la película quizá sea el crítico gastronómico, un personaje sórdido que en un principio se presenta como un crítico nada impresionable y todo un reto satisfacer, pero que al tastar el famoso “ratatouille” recita una de las mejores reflexiones que se ha oído en los cines desde hace tiempo, sobre el arte de ser crítico y todas sus consecuencias. Quizás el "ratatouille" no sea la obra perfecta que el ratón crea al final, aunque no creo que lo pretenda ser.

Pero si nos centramos dentro del campo de la animación, podríamos considerar a esta, la mejor película vista en mucho tiempo y, sin duda, la mejor película en términos generales de lo que llevamos de año, dado la cantidad de basura que nos encontramos hoy día en las carteleras de los cines, el cual se ha convertido en un decadente abusador de la imagen, olvidando la trama, los guiones y el contenido en general, con ideas simples y conservadoras, pensado únicamente para ser un producto de venta y tratar a la masa como a un rebaño en el que nadie se debe destacar con ideas nuevas o diferentes, y eso es lo que esas películas pretenden denunciar, "sé como todos", "no destaques" y "come tu basura", como diría papá Django Ratatouille, aunque nuestra basura, en este caso, la comemos en forma de films.

Afortunadamente hay personas que buscan la libertad del individuo, la "individualidad" del pensamiento contra el pensamiento único, y manifiestan la importancia de la curiosidad por los conocientos y las inquietudes por las nuevas creaciones, sin las que la presencia humana no tendría sentido… y Pixar son de estos, y en esta película lo plasma de manera excelente.

Como dije antes, el crítico gastronómico, recita una de las mejores reflexiones que se ha oído en los cines desde hace tiempo, y es que ciertamente, cuando algo te sorprende y emociona de la manera como lo hace esta película, lo normal es caer rendido a sus pies. Porque no hay mayor verdad que un gran artista puede provenir de cualquier lugar:

Las palabras de Mr. Ego son las siguientes:

"El trabajo del crítico es sencillo en más de un sentido. Arriesgamos muy poco, y sin embargo usufructuamos de una posición situada por encima de quienes someten su trabajo y su persona a nuestro juicio. Prosperamos gracias a nuestras críticas negativas, que resultan divertidas cuando se las escribe y cuando se las lee.

Pero la cruda verdad que los críticos debemos enfrentar es que, en términos generales, la producción de basura promedio es más valiosa que lo que nuestros artículos pretenden señalar. Sin embargo, a veces el crítico realmente arriesga algo, y eso sucede en nombre y en defensa de algo nuevo.

Anoche experimenté algo nuevo, una comida extraordinaria hecha por alguien único e inesperado. Decir que ese plato y su cocinero pusieron a prueba mis preconceptos equivaldría a incurrir en una subestimación grosera, cuando lo cierto es que ambos lograron conmover lo más profundo de mi ser.

Antes de este suceso, nunca escondí mi desdén por el lema del Chef Gusteau: “cualquiera puede cocinar”. Pero, me doy cuenta, que ahora comprendo sus palabras. No cualquiera puede convertirse en un gran artista, pero un gran artista sí puede provenir de cualquier lugar."

El País decía: “Ratatouille podría ser una película igualmente grandiosa si no fuese animada, pero sólo la animación podría hacerla posible. No se pierdan el magistral corto animado que sirve de aperitivo a este banquete de puro lujo”.

Furoshiki

El furoshiki es una tela fina cuadrangular que se utiliza para envolver con elegancia y transportar cómodamente objetos de cualquier forma. Desde la era Nara (710-794) es un método tradicional japonés, pero en la actualidad está de moda entre las jóvenes japonesas y hay de diversos colores y diseño.

El precio suele oscilar entre los 500 yenes hasta 20.000 yenes o más, pero los que se usan normalmente cuestan entre 1.000 y 2.000 yenes.

La ministra japonesa de Medio Ambiente, Yuriko Koike, propuso su uso en la vida cotidiana como alternativa ecológica para reducir el uso de las bolsas plásticas. La iniciativa se llamó “Mottainai Furoshiki”; la palabra “mottainai” representa el sentido de desperdicio. La tela "furoshiki” es cuadrada con dimensiones de unos 60 centímetros de cada lado, y se puede doblar de varias maneras para envolver objetos que son de menores dimensiones. Además, esta tela se elabora en base a materiales resistentes, lo que permite su reutilización.

El Ministerio de Medio Ambiente, también ha promocionado la creación de diseños modernos de esta tela de tradición, y está llevando a cabo ferias y anuncios públicos para mostrar estos productos a la población, a fin de incrementar su uso y aplicaciones.

Los diseños modernos añaden valor y aplicabilidad a otros usos para estas telas; por lo que los “furoshikis” pueden también usarse como prendas de diseño para damas, de manera similar a la que algunos pañuelos pueden ser usados. La Ministra de Medio Ambiente misma, la señorita Yuriko Koike, ha participado en esta iniciativa, diseñando una tela “furoshikis” con material reciclado de botella de plástico. (PET poliéster)

Formas para usar el furoshiki

De esta manera, el Ministerio calcula que si los japoneses usaran la tela "furoshiki” para sus compras una vez a la semana, habría 600 millones de bolsas plásticas menos cada año que terminen como basura.

Incluso en algunas escuelas ya se enseñan las diferentes formas de envolver con el furoshiki:
Link a la página del Gobierno Japonés (con la foto del Furoshiki)

Video sobre el furoshiki
http://www.youtube.com/watch?v=PnfEN8SfLGo Fuente:

sugee.wordpress.com
YouTube.com

Sakura, la flor del cerezo

Las flores del cerezo suelen caer muy pronto. La flor del sakura es delicada y con el viento enseguida cae. Así, se puede disfrutar de su belleza y al caer en su plenitud, no da tiempo a verla marchitar.

Esto guarda relación con parte del código samurai en Japón. Es más, el emblema de los guerreros samurai era la flor del cerezo. La aspiración de un samurai era morir en su momento de máximo esplendor, en la batalla, y no envejecer y "marchitarse", como tampoco se marchita la flor del cerezo en el árbol.

Existen dos variedades del sakura, una en blanca y otra en un tono rosa pálido. Hay una leyenda japonesa que dice que antes, las flores del cerezo eran sólo de color blanco.

La leyenda de la flor de Sakura

Durante la Era mejí, en Japón, era muy común que se fuera a buscar la las casas a los mejores samuráis que había sin importar lo viejos que fueran. Durante años se mantuvo una guerra que se cobró numerosas vidas.

En esta época florecían los árboles de Flor de cerezo o flor de ciruelo.

Entonces, no era de extrañar que las mujeres casadas con samuráis se quedaran solas, por lo que estableció una ley en la que se le prohibía a la mujer casada de un samurai en batalla que se viera con otro hombre que no fuera de su familia. La ley establecía que cualquier mujer seria libre de casarse o juntarse con amigos si ésta probaba que su esposo había muerto en combate. Curiosamente en registros nunca se encontró ninguna mujer ejecutada por esta ley, y sin embargo se encontraron tantas muertas como samuráis de distintas zonas.

Ninguna de estas mujeres fue asesinada, ellas mismas lo hacían con el nombre de su esposo muerto en batalla si este era un samurai. Esto siempre lo hacían frente a un árbol de flor de cerezo que con la sangre que absorbía se fue tornando rosada.

Siempre que salía un samurai de su casa se sembraba un árbol de Cerezo en su honor... O por si era necesario.

Las fuentes de la música griega

Lo más destacado de esta época, era que a pesar de la importancia que ésta tenía, apenas hay documentos de música escrita. Los que hay son breves y fragmentario y el estado de conservación es malo. Algunos son realmente difíciles de interpretar. Contrasta todo esto tambien, con la cantidad de obras literarias tanto griegas como romanas que sabíamos que se cantaban. La poesía solía ser cantada y acompañada de instrumentos.
En esa época era tan evidente el conocimiento de las melodías, las cuales se oían casi a diario, que no se planteaba la necesidad de escribirlas.

El epitafio de Seikilos

La estela fue encontrada en Aydin, Turquía, en 1883, y desapareció en 1922 durante el Holocausto de Asia Menor. Luego se encontró, rota en su base: la mujer que la tenía la usaba para apoyar una maceta en su jardín, y la base fue cortada. Hoy está en el Museo Nacional de Dinamarca.

El epitafio de Seikilos es un fragmento hallado en una columna de mármol puesta sobre la tumba que había hecho construir Seikilos para su mujer Euterpe, en Aydin, cerca de Trelles, Asia Menor. El texto habla de la brevedad de la vida, y la melodía en modo frigio* y géreno diatónico**, se desenvuelve en un ámbito de octava justa. Se remonta al siglo I.

Escúchalo: Epitafio de Seikilos

Hoson zes, phainou
Meden holos su lupou
Pros oligon esti to zen
To telos ho chronos apaitei

La traducción:

Brilla, mientras estés vivo,
no estés triste,
porque la vida es por cierto corta,
y el tiempo exige su retribución.

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Apéndices:

*El uso principal del término "modo" es con referencia a las escalas que estuvieron en uso durante la Edad Media. En este sentido, los modos fueron dejados de lado en la música europea a principios del 1600 aunque sobreviven en:

• el canto gregoriano
  
• alguna música folclórica (de Europa Oriental, por ejemplo)
• ocasionalmente cultivados por compositores posteriores, a veces con una deliberada intención arcaizante.

Los modos antiguos se pueden explicar considerando diferentes escalas a partir de diferentes sonidos y siempre sobre las teclas blancas del piano.

Cada escala, así, correspondería a un modo:

• de re a re: modo dórico o modo II
• de mi a mi: modo frigio o modo III
• de fa a fa: modo lidio o modo IV
• de sol a sol: modo mixolidio o modo VI

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**La escala diatónica es una escala musical, que se puede simbolizar con las teclas blancas del piano, lo que quiere decir que existe una relación de tono - semitono. Es decir:

Fórmula de la Escala Mayor (Diatónica). La que todos conocemos (do re mi fa sol la si).

T=tono st=semitono

Do Re Mi Fa Sol La Si Do

T T st T T T st

En la escala cromática cada nota está separada de sus vecinas superior e inferior por el intervalo de medio tono o semitono. Suena como si subiéramos una escalera poco a poco.

Mp3, imagen, notación y breve historia sacados de
esta página sobre el epitafio

La música griega II. Orígenes

Las Fuentes

Las obras de los teóricos nos proporcionan poca información. ¿A qué se debe esto? pues simplemente a que los teóricos se interesan en la música, pero no en su aspecto práctico (sin partituras) sino en su aspecto teórico, como por ejemplo los tetracordios.

Transmisión de los textos musicales:

Hay dos aspectos referentes a la falta de textos: las técnicas de difusión y composición de la música.

a) Las técnicas de difusión: eran por audición y memorización, es decir transmisión oral. No había concepto de obra final o constante. Era cambiante y cualquier, digamos, compositor, podía modificarla y realizar versiones de una misma obra.

b) Las técnicas de composición: la música se mantuvo fiel a módulos tradicionales de composición. Esta fidelidad debía significar la repetición de esquemas estructurales y melódicos que constituían los elementos característicos de determinados géneros. Por lo tanto los intérpretes hasta el siglo V o VI a.C. adecuaban el canto/obra a la ocasión, pero sin modificar los elementos de identidad de estas (eran reconocibles. Como si fuesen versiones de las mismas). Estos rasgos favorecían que los compositores e interpretes no sintiesen la necesidad de escribirlas.

Términos:

Tetracordios: series de 4 notas. Esquema fundamental de la música griega.
Sistemas de tetracordios: unión de dos o más tetracordios.

Clave y Manocordio

En ocasiones se confunde el clave con clavicordio (se suele pensar que el primero es una abreviatura del segundo) son dos instrumentos diferentes, pero con las características que expongo aquí abajo espero aclararlo:

En el siglo XVIII a los instrumentos de cuerda en general se les llamaba clavicordio. Esto llevó a confunsión a más de uno (a mí entre ellos):

• Clave (clavicémbalo o cémbalo):

- Sonido característico (casi parece cuerda punteada)
- Instrumento de cuerda arañada o punteada.
- Tenía bastante potencia, pero no se puede hacer distinción entre piano y forte.
- Poseía una tangente de pluma de cuervo que arañaba la cuerda.
- Forma aliforme.

• Manocordio:

- Suena parecido al piano
- Cuerda percutida
- Permitía la dinámica (diferencia entre piano y forte), pero era poco potente.
- Funcionaba con un macillo que pegaba en la cuerda y volvía de nuevo a su lugar.
- Forma rectangular.

El pianoforte (piano) proviene del clavicordio.

La música griega I. Orígenes

La música griega I

Música en grecia antigua abarcaba un amplia significado, abarcaba muchas artes como la música vocal e instrumental, la danza y la declamación. Al hablar de música, se entendían todos esos conceptos. De hecho música viene del griego mousiké. La música así entendida, tenía tanta importancia en esa época que un Mousikós Anés no significaba «hombre dedicado a la música» sino «hombre culto».

Y a pesar de todo esto, llama la atención el hecho de la escased casi total de partituras, es más, no hay texto musical anterior al siglo III a.C. El único que existe es el conocido Epitafio de Seikilos del siglo I a.C.

Términos:

Mousiké: el arte de las musas.
Mousicós Ánes: hombre culto.

La solmisación

El monje Guido D'Arezzo, (Arezzo, Toscana cca. 995, Avellano 1050), es el responsable de los nombres de las notas musicales. En la Edad Media las notas se denominaban por medio del alfabeto: C, D, E, F, G, A, B. Por aquellos días solía cantarse un himno a San Juan que tenía la particularidad de que cada frase musical empezaba con una nota superior a la que antecedía. Entonces Guido tuvo la idea de emplear las primeras sílabas de cada frase para identificar las notas que con ellas se entonaban. El texto latino de este himno rezaba así:

UT queant laxis,
REsonare fibbris,
MIra gestorum,
FAmuli tuorum,
SOLve polluti,
LAbii reatum,
Sancte Ioannes.













Más adelante, un músico italiano, de apellido Doni, constató que era difícil solfear con la nota ut porque terminaba en una consonante sorda, tuvo la idea de reemplazarla con la primera sílaba de su propio apellido.

¿Qué es mensurabilis?

DE LA NOTACIÓN MODAL A LA MENSURAL

La aplicación de textos a las voces superiores de las cláusulas y la diferenciación de los ritmos en el siglo XIII crearon la necesidad de disolver las concatenaciones modales de ligaduras y definir rítmicamente la nota individual. Esto condujo a la notación mensural o de medida cuyo primer teórico o inventor fue Franco de Colonia. Este escribió su tratado Ars cantus mensurabilis hacia 1280.

Cantus mensurabilis o también música mensurabilis es la música polifónica cuya duración de sonidos pueden referirse entre sí y medirse en un sistema de medidas regulado por relaciones numéricas. El concepto opuesto cantus planus designa el canto gregoriano cuya rítmica uniforme, o sea libre y no susceptible de medición, no se anotaba. La notación mensural estuvo en uso hasta alrededor de 1600, antes de imponerse la moderna con su sistema de compases. La notación mensural de Franco de Colonia utilizó notas negras (notación mensural negra). En los siglos XV y XVI esas mismas notas dibujadas huecas (notación mensural blanca).

Esquema de las notaciones:

- Notación franconiana: en los siglos XIII y XIV, los compositores necesitaban libertad para elegir la duración de los sonidos y los intérpretes saber la correspondencia.

- Notación mensural blanca: siglos XV y XVII. De la que se habla anteriormente.

- Notación ortocrónica (actual): desde el siglo XVII hasta hoy, evolución de la mensural blanca que apenas ha sufrido cambios.