En un principio era la música

    Posiblemente la música apareciera al mismo tiempo o incluso antes que el lenguaje. Muchos teóricos coinciden en este punto. Sabemos que es imposible situar la música en un punto concreto de la historia, ya que las fuentes principales son los yacimentos arqueológicos y las actuales civilizaciones primitivas.

    Así que tan solo podemos teorizar. Pero centrándonos más en la importancia transmisora que en sus aspectos más técnicos, la música no posee tan sólo un sentido estético o placentero en la vida y la historia de los seres humanos. Sabemos que originariamente sus usos eran comunicativos, pero sobre todo, mágicos y supersticiosos, en un intento de comulgar con el entorno del que se forma parte y al que se intenta comprender por todos los medios; una manera de encontrar un orden y un lugar en el mundo desconocido. Pretendemos decir que es un elemento de unión de la espiritualidad interna con el mundo externo. La comunicación es una necesidad del hacer humano, y la música eleva al máximo exponente esta expresividad.

    Sin embargo las impresiones nacen en algún punto conocido en el que luego son desarrolladas. Por ejemplo, el intervalo tonal más antiguo es la tercera, y esto no ocurre por capricho, es una relación de sonidos presente en la naturaleza (en el canto de algunas aves). Las texturas también varían en función de los materiales que nos han rodeado, madera, piedra, hueso, etc. Y los ritmos están presentes en elementos como el latido del propio corazón, la lluvia, el constante goteo del agua en el interior de una caverna, el trote de algunos animales, etc.

    El amor por la novedad nos lleva siempre a dar un paso fuera del terreno conocido. No se trata sólo de percibir los sonidos como tales, sino de experimentar con ellos, tratar de exponerlos de nuevas maneras. Un mundo tan rico como el sonoro ofrece una relación con las emociones más directa que las propias palabras.

    Charles Darwin desarrolló una teoría en la que explicaba el origen de la música como una solicitación amorosa, como hacen los pájaros u otros animales. La relación entre amor y música es conocida, en todos los periodos históricos (tanto en la Historia Antigua como en la Edad Media, o incluso en la música popular moderna) y es difícil poner en duda su sentido emotivo.

    Y la propia voz, por supuesto, el instrumento humano por excelencia. En palabras de Marvin Harris,

hablar con perfección supone oír con perfección. Distinguir las diferencias entre los sonidos es tan propio de nuestra naturaleza como ser prolíficos fabricándolos. ¿Es pura coincidencia que hacer música sea asimismo propio de nuestra naturaleza? Que nos guste tanto la música, porque sea en esencia una forma de habla o que nos guste tanto el habla, porque sea en esencia una forma de música, es algo que no puede decidirse.

    ¿Es esta la razón de que la música tenga el poder de hacer bailar a las personas, marchar a los ejércitos o fundirse a los amantes?. Tal vez podríamos decir que desde el canto de una melodía monódica gregoriana, hasta el frenesí vertiginoso del rock, ponen de manifiesto, cada una a su manera según Harris, la evolución victoriosa de las señales auditivas sobre las señales visuales, el nacimiento del lenguaje y el comienzo del vuelo de las culturas humanas.

A partir de ahí la curiosidad y la experimentación hacen el resto.

Fuentes:

- Revista de folklore: http://www.funjdiaz.net/folklore

- http://www.slideshare.net/majoseglez/la-msica-en-la-prehistoria

- Nuestra especie. Marvin Harris. Alianza Editorial. 1989.

- Wikipedia

Duo Seraphim

    Sin tratar de abrumar al lector, compartimos en este artículo un breve comentario sobre la obra Duo Seraphim de Tomás Luis de Victoria, destacando algunas curiosidades de la misma. No es un motete fácil, pero su belleza es perfectamente audible.

    Independientemente de las creencias personales de cada uno, siempre he opinado que no se debe despreciar la belleza sólo porque vaya unida a un tema o idea que no compartimos. Nos ceñimos a lo musical y estético. El resto es personal.

    En esta obra, tanto música como letra están perfectamente unidas con exquisitez, y las escalas ascendentes y descendentes sugieren subidas y bajadas de la Tierra a lugares celestiales a los que la propia música puede llegar a transportarnos.

     Los compases más agudos están asignados a las palabras dominus y plena est. En el pasaje en que se reitera el dogma de la creencia cristiana, Victoria cambia inteligentemente al compás de 3/4 (era considerado un compás perfecto por tener relación con lo sagrado), subrayando esta idea con el cambio de ritmo, que además da variabilidad y riqueza rítmica a la obra:

Et hi tres unum sunt/Et hi tres unum sunt

    En los cuatro últimos compases la letra dice gloria y la obra alcanza el final con las dos voces superiores dando un juego sonoro muy llamativo antes de llegar al acorde en el que concluye la obra.  

    Particularmente en Arsis Ensemble, aunque la obra fue escrita para voces iguales masculinas, opinamos que las voces blancas de las mujeres representan mejor (al menos en el sentido estético actual) la ligereza sutil de unos ángeles cantando a lo divino.

    Una obra que no se debe dejar de escuchar en sus más variadas versiones.

Aquí os dejamos la nuestra:

Syrinx

Recuerdo que hace tiempo (cuando veía la tele) había un anuncio de una conocida marca de colonias ambientado con una música sutil y misteriosa, para flauta solista. Parecía sacada de fábula. Me atraía enormemente y si estaba en la cocina, alguien veía la tele en el salón y yo oía la música, acudía deprisa de una estancia a otra para poder escucharla mejor.

Hace un momento estaba escuchando una obra de Satie que es para piano, interpretada por flauta travesera. Entonces me he acordado de la antigua melodía. Gracias al libre intercambio de información que ofrece internet, no me ha resultado complicado descubrir que se trataba de "Syrinx" de Claude Debussy. "Syrinx" fue escrita como música incidental para la obra incompleta "Psyché" del escritor francés Gabriel Mourey. Concretamente, para acompañar la muerte de Pan.

No quiero dedicar esta entrada a realizar un espeso discernimiento sobre los estilos musicales de ambos autores, pero aunque Satie se inclinaba más hacia el minimalismo y Debussy era claramente impresionista, lo cierto es que escuchando al primero he recordado esa melodía perteneciente al segundo, entonces para mí de autor desconocido. Ahora puedo acceder a ella siempre que quiera, sin tener que consolarme con un vago recuerdo:

http://www.youtube.com/watch?v=vvmxsWEN4xw

Loreena McKennitt

La música tiene épocas en nuestra vida personal. Durante mucho tiempo escuchamos ciertos cantantes, grupos y compositores de diversos estilos, que buscamos para que nos transmitan según qué sensaciones.

La sensación ahora a la que soy adicta es a la que me produce la intérprete McKennitt.
Una buena dosis de emociones épicas y legendarias que transportan a otra época. La música puede evocar incluso olores.

La misma cotidiana habitación resulta diferente cuando escucho esta música.

El mejor regalo

El mejor regalo que me han hecho desde hace algún tiempo.

Lo que más me gusta es que no es un objeto físico. Es música, es para escuchar, para sentir con más de un sentido, siente tú también como se acerca este Summertime:

Si no fuera por ti....

AN DIE MUSIK, D.547 (1817)
Música de Franz Schubert (1797 - 1828)
Texto de Franz von Schober (1796 - 1882)


Du holde Kunst, in wieviel grauen Stunden,
Wo mich des Lebens wilder Kreis umstrickt,
Hast du mein Herz zu warmer Lieb' entzunden,
Hast mich in eine bess're Welt entrückt!

Oft hat ein Seufzer, deiner Harf' entflossen,
Ein süsser, heiliger, Akkord von dir
Den Himmel bess'rer Zeiten mir erschlossen,
Du holde Kunst, ich danke dir dafür!

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Tú, arte hermoso, en cuántas horas sombrías,
cuando me atenaza el círculo feroz de la vida,
has inflamado mi corazón con un cálido amor,
¡me has conducido hacia un mundo mejor!

Con frecuencia se ha escapado un suspiro de tu arpa,
un dulce y sagrado acorde tuyo
me ha abierto el cielo de tiempos mejores.
¡Oh, arte hermoso, te doy las gracias por ello!

Géneros músicales en la Grecia arcaica

En la Grecia arcáica se podían encontrar los siguientes gérenos musicales:

- Citaroda: comprendía todas las composiciones musicales que eran acompañadas por la cítara.


- Aulodia: composiciones musicales interpretadas, esta vez, por el aulos.


Tras el fin de la era micénica, floreció una intensa actividad poética y musical. Esta actividad se hizo más intensa con el nacimiento de la "Polis" griega. La participación en la vida política y social, dio lugar a numerosas situaciones en las que por cuestiones sociales, se interpreta música, por ejemplo; banquetes, fiestas religiosas, celebraciones públicas, etc. Se sabe que durante esas fiestas se interpretaban gran cantidad de himnos corales. Estos himnos eran de distinto tipo y género dependiendo de cual era su finalidad.

- Himnos Paian: dedicados al dios Apolo
- Himnos Délficos: dedicados al mismo dios.
- Barchenios: para bodas y enlaces.
- Ditirambos: en honor al dios Dionisio.

Para completar la información de esta entrada, visitar el enlace siguiente:
La música griega I. Orígenes

La música griega II. Orígenes

La textura musical

En anteriores entradas se habla acerca de términos musicales tales como; monodia, polifonía etc.
En ésta, trataré de exponer la diferencia entre la mayoría de las texturas musicales que existen:

• Monodia:

Música interpretada a una o varias voces, pero con igualdad de tono y ritmo (todas las personas o instrumentos, tocan o cantan la misma melodía como en el gregoriano, por ejemplo.)

Alleluja Dies Santificatus

• Polifonía:

Aquella en la que hay más de dos melodías diferentes, sonando a la vez. Debe existir la armonía para que sea cxonsiderada como tal (varias notas diferentes sonando a la vez).Existen dos grandes grupos:
- Polifonía homorrítmica u Homorritmia (tambien llamada homofonía, pero este término lleva a confusión con la monodia, ya que signica "que suena igual"): Diferentes melodías sonando a la vez, con igual ritmo.

"If ye love me" . Thomas Tallis.


- Polifonía contrapuntística o Contrapunto: Diferentes melodías con diferentes ritmos, sonando a la vez.

Kyrie. Missa Papae Marcelli. Giovanni Pierluigi da Palestrina.



Audiciones recomendadas para su diferenciación:
- Monodia: Dies Irae (canto gregoriano)
- Homorritmia: 4º Movimientoto de la 9º sinfonía de Beethoven.
- Contrapunto: Responsorio de Tiniebla nº1 "Amicus Meus", de Tomás Luis de Victoria.

Características generales del canto Gregoriano

Información extraída de los apuntes de historia de la música de 3º de Maestro en educación musical, Universidad de Málaga:

• Características:

- Primera: es un canto escrito en tetragrama (4 líneas).

- Segunda: es palabra cantada. No existe sin relación con un texto. No existe la música instrumental en esta música.

- Tercera: Es una plegaria cantada, como expresión de una religiosidad.

- Cuarta: Canto monódico.

-Quinta: El ritmo y estructura melódica están determinados por la palabra.

- Sexta: Canto litúrgico y de circunstancias (dependiendo de lo que se celebre).




Información sobre los orígenes del Gregoriano en el artículo San Gregorio Magno y el Gregoriano.

Sociología de la música

• Introducción:

Con el paso del tiempo, y la evolución de las formas, la música se fue volviendo compleja y terminó convirtiéndose en patrimonio de una minoría selecta, social y culturalmente. Los grandes músicos comenzaron a salir del anonimato. El pueblo comenzó a apartarse de la música culta o académica que no oía más que en las iglesias y muy eventualmente, en las antecámaras y jardines palaciegos, y empezó a cultivar otro tipo de música transmitida oralmente y adaptada a sus capacidades y necesidades sociales. Se abrió entonces una brecha entre la música culta y la música popular, que jamás volvería a llenarse.

Durante los siglos XVIII y XIX, la música dejó de ser patrimonio exclusivo de monasterios y cortes.
Ya en el siglo XX, la comercialización de la música estimuló la formación de clases diferenciadas de oyentes, y los públicos se volvieron cada vez menos cultivados. Comenzó a componerse música de diferentes estilos según el público al que estuviera destinada y según la demanda existente. Dado que es más rentable producir música fácil que pagar a músicos profesionales, ya sea para componer o para interpretar música de calidad, la industria musical favoreció la aparición de un producto menos elaborado. Ahora, más que nunca, existe una clara división entre la música como expresión artística, y la “música” que es fabricada únicamente para ser un producto comercial.

• Música y consumo:

La música comercial de consumo masivo es uno de los instrumentos de persuasión oculta más eficiente. Es monótona y con un bajo rítmico acompañado de escasos acordes que se repiten constantemente de principio a fin. Sus ritmos perpetuos producen frecuentemente una excitación corporal. El resultado es un asalto deliberado y directo hacia la integridad de las personas.

Es relevante, no obstante, la necesidad del conocimiento de las diferentes corrientes musicales, ya que, en todas y cada una de ellas, existe música de calidad. Se debe desarrollar un criterio artístico y estético que permita a la población elegir entre la música que tiene un valor real y artístico, en diferenciación con aquella de baja calidad, que ha sido creada bajo criterios económicos y comerciales.

La adolescencia es muy vulnerable a la influencia social y al bombardeo de los medios, convirtiéndose en víctimas de intereses comerciales, y adquiriendo lo que otros los induzcan a comprar, en lugar de sólo aquello que responda a sus propios gustos.


Texto: Cuerpo de Maestros. Educacion musical. Temario para la preparacion de oposiciones. 2006. Editorial MAD.

Curiosidades sobre Beethoven

A todos los que conocéis la pieza Para Elisa de Beethoven, resulta que no, que no era para Elisa, era para Teresa:



'Para Elisa' es en realidad 'Para 'Teresa': La famosísima bagatela para piano de Beethoven que todo el mundo conoce como "Para Elisa" (compuesta el 27 de Abril de 1810), en realidad es "Para Teresa", ya que es el título que aparece en el manuscrito original de Beethoven. Se cree que un error en los copistas por la mala caligrafía de nuestro compositor provocó esta 'pequeña' confusión.

La música en el Renacimiento

La música en el Renacimiento:

Con el término Renacimiento hacemos referencia a la cultura y el arte de los siglos XV e inicios del XVII.

Se lleva a cabo un reencuentro estético con el pensamiento y las formas clásicas correspondientes a las antiguas culturas griega y romana, adormecidas durante la Edad Media. En cambio, no procede aplicarlo a la música, puesto que no se toma como referencia el concepto estético sonoro de la antigüedad clásica, sino que se continúa por el camino abierto por el Ars Nova; es decir, el estilo de la música del Renacimiento se basa en el desarrollo de la técnica del contrapunto imitativo, llevado a cabo por los músicos franco – flamencos en el siglo XV, y que los demás países asimilaron.

• Polifonía vocal religiosa:

Las formas que sobresalen según, a la liturgia a la que pertenecen, son las siguientes:
- En la liturgia católica: motete y misa.
- En la liturgia protestante: coral luterano y anthem.
- Fuera de la liturgia (en Italia): laudi spirituali.
- El coral luterano: canciones populares, divididas en estrofas bien rimadas, en lengua vulgar y con característicos reposos al final de la frase. Alcanza su máximo esplendor con Johann Sebastian Bach.

Anthem: himno o antífona en lengua inglesa, de métrica regular, que posee una estructura musical parecida al motete católico, que se cantaba en los templos anglicanos.

Laudi spirituali: cantos de alabanza a dios, que venían practicándose en Italia desde el siglo XII. En sus inicios eran monódicos.


Texto: Cuerpo de Maestros. Educacion musical. Temario para la preparacion de oposiciones. 2006. Editorial MAD.

La música vocal profana: juglares, trovadores y troveros

Juglares:

La hegemonía que sobre la cultura va a desempeñar la iglesia durante la Edad Media, va a originar un desprecio por la canción popular por parte de la clase culta. Fueron incluso perseguidos por la iglesia, acusados de seres corruptos y propagadores de las tradiciones paganas. No obstante, eran apreciados por el pueblo como portadores del buen humor y de diversión.

La denominación de juglar, en líneas generales, ha servido para referirse a personajes errantes que iban de ciudad en ciudad, de corte en corte, con el oficio de divertir a un público, ya noble, ya plebeyo.

Ministriles:
A finales del siglo XIII, con el desarrollo de las ciudades, los juglares comienzan también a abandonar su vida errante, y establecerse en alguna de las grandes ciudades. Esto originó que por el siglo XIV aparecieran los denominados ministriles, juglares estables al servicio de la ciudad, con mayor consideración social e ingresos económicos asegurados.

Goliardos:
Una casta especial de juglares eran los Goliardos, generalmente eran clérigos secularizados, por lo que su amplia cultura les permitía componer. Sus obras se conservan en códices como los de Ripoll, en España, o en la colección de canciones del Monasterio benedictino, en Alemania, conocida como <> .

Trovadores y troveros:

A finales del siglo XI en el sur de Francia, una serie de factores, fruto del refinamiento de las costumbres, como el espíritu caballeresco y el culto a la mujer, va a originar un nuevo estilo poético – musical conocido como trovadoresco.

Los trovadores eran poetas conpositores de letra y música, y pertenecientes a la nobleza. Éstos no se dedicaban a la música por necesidad como los juglares. El lenguaje utilizado es el provenzal.

Igualmente y a diferencia de medio siglo, se produce en el norte y centro de Francia un movimiento similar. En este caso el lenguaje utilizado es el francés, y en este caso se les denomina troveros. El idioma es la diferencia básica entre trovador y trovero. En Alemania son llamados minnesänger.

Texto: Cuerpo de Maestros. Educacion musical. Temario para la preparacion de oposiciones. 2006. Editorial MAD.

La polifonía. Orígenes y primeras formas:

La música en el primer milenio, en Europa, era principalmente vocal y monódica, y vinculada casi totalmente a la iglesia, puesto que era quien centraba toda la cultura musical de esta época. Las primeras referencias escritas se remontan al siglo IX, en el célebre tratado Música Enchiriadis de autor anónimo (ese que escribió tantas partituras), que hasta el Ars Nova fue el referente principal en la música sacra describe el organum, la forma de polifonía más antigua conocida.

- Organum: La melodía fundamental (del canto gregoriano), llamada vox principalis, iba doblada a la 4ª inferior paralela, recibiendo el nombre de vox organalis. A su vez, ésta es doblada a la 8ª superior, quedando a la distancia de 5ª de la vox principalis. Además el ritmo no se escribía, simplemente seguían el ritmo tradicional del canto gregoriano (adaptado a la manera de recitar los acentos texto).

- Discantus: Se abandona el movimiento paralelo único, y se efectúan el movimiento contrario y el oblicuo, cruzándose ambas voces. Siempre nota con nota (es decir la voz organal tiene exactamente el mismo ritmo que la voz principal). El discanto constituye el origen del contrapunto, que se desarrolla a lo largo de los siglos siguientes, alcanzando su apogeo en el Renacimiento.

- Conductus: Hasta entonces, los compositores siempre debían partir de una melodía existente, del canto llano. A finales del siglo XII, el compositor quiere independizarse de toda melodía existente y hace una composición totalmente original, inventando no sólo las voces organales, sino también la voz principal.



Texto: Cuerpo de Maestros. Educacion musical. Temario para la preparacion de oposiciones. 2006. Editorial MAD.

La solmisación

El monje Guido D'Arezzo, (Arezzo, Toscana cca. 995, Avellano 1050), es el responsable de los nombres de las notas musicales. En la Edad Media las notas se denominaban por medio del alfabeto: C, D, E, F, G, A, B. Por aquellos días solía cantarse un himno a San Juan que tenía la particularidad de que cada frase musical empezaba con una nota superior a la que antecedía. Entonces Guido tuvo la idea de emplear las primeras sílabas de cada frase para identificar las notas que con ellas se entonaban. El texto latino de este himno rezaba así:

UT queant laxis,
REsonare fibbris,
MIra gestorum,
FAmuli tuorum,
SOLve polluti,
LAbii reatum,
Sancte Ioannes.













Más adelante, un músico italiano, de apellido Doni, constató que era difícil solfear con la nota ut porque terminaba en una consonante sorda, tuvo la idea de reemplazarla con la primera sílaba de su propio apellido.

¿Qué es mensurabilis?

DE LA NOTACIÓN MODAL A LA MENSURAL

La aplicación de textos a las voces superiores de las cláusulas y la diferenciación de los ritmos en el siglo XIII crearon la necesidad de disolver las concatenaciones modales de ligaduras y definir rítmicamente la nota individual. Esto condujo a la notación mensural o de medida cuyo primer teórico o inventor fue Franco de Colonia. Este escribió su tratado Ars cantus mensurabilis hacia 1280.

Cantus mensurabilis o también música mensurabilis es la música polifónica cuya duración de sonidos pueden referirse entre sí y medirse en un sistema de medidas regulado por relaciones numéricas. El concepto opuesto cantus planus designa el canto gregoriano cuya rítmica uniforme, o sea libre y no susceptible de medición, no se anotaba. La notación mensural estuvo en uso hasta alrededor de 1600, antes de imponerse la moderna con su sistema de compases. La notación mensural de Franco de Colonia utilizó notas negras (notación mensural negra). En los siglos XV y XVI esas mismas notas dibujadas huecas (notación mensural blanca).

Esquema de las notaciones:

- Notación franconiana: en los siglos XIII y XIV, los compositores necesitaban libertad para elegir la duración de los sonidos y los intérpretes saber la correspondencia.

- Notación mensural blanca: siglos XV y XVII. De la que se habla anteriormente.

- Notación ortocrónica (actual): desde el siglo XVII hasta hoy, evolución de la mensural blanca que apenas ha sufrido cambios.